展览名称：艺途同行——姚永师生作品展

　　开幕时间：2015年10月23日15:00

　　展览时间：2015年10月23日-2015年11月8日

　　展览地点：北京马奈草地美术馆

　　策 展 人：金锡顺

　　参展画家：姚永、黄海燕、祁百成、程治国、陈向东、荣云、龙义敏

　　主办单位：马奈草地美术馆

　　学术主持：中国艺术研究院美术研究所研究员王端廷

　　协办单位单位：金柱控股·和盛传媒

　　展览将展出中国艺术研究院中国油画院画家、硕士生导师姚永先生及历届硕士研究生黄海燕、祁百成、程治国、陈向东、荣云、龙义敏的七十余件作品，举办此次展览一方面旨在姚永先生多年教学成果汇报，另一方面，各位研究生虽同出于姚永先生门下，但无论绘画形式，还是绘画语言，都具有独特面貌，各成一家，就当下“同门同宗，一脉相承”的教学现象而言，借以此次展览可以给国内艺术教学模式以思考。

永不停歇的前行

　　王端廷

　　从世界范围而言，自西方现代艺术产生之后，美术学院及其学院派艺术就面临着前所未有的挑战，以致被视为艺术创新的反动力量。然而，在中国当代艺术界却有一个奇特而怪异的现象，这就是所有成功的艺术家，包括那些蜚声国际艺坛的艺术家，都是从美术学院毕业的，但是导致他们成功的那些创作观念和艺术语言却不是从美术学院的教材和课堂里获得的，他们要么是从某位老师的个人观念中得到启发，要么是通过某个展览，特别是外国的展览，或者是通过一本外国画册，或者通过其他信息渠道，获得新的知识，激发了自己的创造力，从而走上了当代艺术创作之路并获得了成功。

　　这一现象说明，美术学院虽然不是艺术学子获得成功的充分条件，但却是必要条件。也就是说，如果不进美术学院，一个人很难成为专业艺术家，因为人类艺术发展到今天已经变成了有着悠久历史和完备理论的科学体系，不经过系统学习是很难成为一个合格的艺术家的，仅凭直觉和感性充其量只能成为一个的非专业的“民间艺人”或“素人艺术家”(Naïve artist)。但是，经过学院教育虽然可以使人获得专业技能，却不能保证每一个艺术学子都能成为进入艺术史的创造性的艺术家。因为美术学院传授的是体制化、规范化和标准化的艺术知识，而只有那些打破常规、标新立异和自创新格的艺术家才能进入艺术史。换一句话说，美术学院教育是一个让学生接受并掌握既定规则的过程，而艺术史则需要的是创造新规则的人。事实上，开创历史的艺术家都是学院教育的逆子，艺术史是由那些背离陈规的叛徒书写的。

　　一个人要成为创造性的艺术家不仅需要先天的禀赋，还需要后天的引导。也就是说，即使是千里马，也需要有伯乐。千里马常有，而伯乐不常有。伯乐在哪里?伯乐大多在教师群体中。

　　姚永是中国艺术研究院中国油画院副研究员、中国艺术研究院研究生院美术系硕士研究生导师。他曾先后就读于山东曲阜师范大学和中央美术学院，并分别随俄罗斯功勋艺术家康恰连同和美国纽约州斯德尔摩艺术学院教授米勒工作，受到了多种艺术观念的熏陶和不同艺术语言的训练。他还曾游学美国两年，接受过西方现当代艺术观念的洗礼。在进入中国艺术研究院之前，他先后执教于山东曲阜师范大学和天津美术学院。在中国艺术研究院工作期间，他长期主持油画创作研究工作室，指导过大量来自全国各地的油画专业创作者，可谓桃李满天下。

　　作为教师，姚永是一个经验丰富、见多识广、思想开明的人，他对学生因材施教，从不把自己的主观意愿强加给学生，也不限制学生的个人偏好。事实上，到了研究生阶段，技法不再是美术教学最主要的内容，开拓视野和提升境界才是教学的核心目标。姚永跟学生说得最多的话就是了解历史、认识时代、寻找你自己，他千方百计地引导学生在艺术的坐标系中确定自己的方位。因此，学生并没有追随他的画风，且各有面貌。

　　作为画家，早在20世纪80年代姚永就以一系列超现实主义风格的人物作品引人注目。90年代，他更以一系列兼有表现主义与象征主义风格的鸡冠花静物作品享誉中国当代画坛。他画中的鸡冠花既坚挺又萎顿，既妖艳又衰败，处在虽生犹死、半生半死的临界状态，既带有强烈的抒情色彩，又具有人格的象征和性的隐喻意味，令人过目难忘。至今在类似绘画展览的学术研讨会上，批评家还常常提到他的这组带有典范性的绘画作品。

　　姚永是一个不断超越自我的艺术家，尽管鸡冠花系列为他带来了巨大的成功，他仍然很快放弃了这一“母题”(motif)。新世纪初，姚永醉心于中国园林的描绘，他将巴尔蒂斯的色彩和情调与古典园林的结构和空间进行拼接和混融，形成了一种既有现实感又有梦幻性的特殊画风，作品在简化的造型中充满了惆怅和怀旧的诗情。他本人用“六化”，即平面化、简约化、符号化、意象化、痕迹化和色域化，来描述他的“中国园林”系列绘画的风格特征。在我看来，他在这一系列中，很好地通过西方现代绘画语言表达了中国传统山水画的意蕴和品味。

　　最近几年，姚永转向了风景画的创作，其题材既有自然景色，又有人文风光。在人文风景中，他尤其偏爱欧洲城市景观特别是古典建筑的描绘，这些作品是他这几年多次去欧洲考察写生的成果。

　　披览姚永的整个创作历程，我们可以看到他不断变化的轨迹，也能洞悉他始终不变的精髓。他的所有作品都是来自写生(写生是西方画家创作的基本要求，也是油画不同于中国画的本质属性)，但是，他的绘画从来不是对自然物象外在形色的再现，而是客观对象主观化的产物。也就是说，他描绘的不是眼睛看到的对象，而是心里感知的形象。事实上，他的所有绘画都似乎笼罩着一层朦胧的薄纱，每一件作品都好像描绘的是迷幻的白日梦境。他的白日梦既不凶险也无欣喜，它只是把现实推到时间和空间的远处，令人感到一丝淡淡的哀愁和忧伤。而这正是姚永追求的诗意，也是他的绘画打动人心的魅力。

　　姚永的学生很多，这次参展的六位画家只是历届毕业生中的代表。他们来自天南海北不同地区，年龄也互有差异。最重要的是，他们没有统一的画风，几乎看不出同门同道的相似性和相同性。

　　黄海燕的名字往往让人联想到女性，事实上，黄海燕在画风上也的确具有女性化的特征。他喜欢描绘女性人像，而且是被纱布包裹或纱帐遮挡的女性;更加不同寻常的是，他往往采用竖条状的构图，并且采用平涂式的背景，将人物安置在一个极度逼仄的空间中，给人带来一种受挤压和被束缚的心理感受。除此之外，他还常常采用俯视角度，使人像呈现出头大脚小的异常形态。尽管他画中的一些人物的脸上还带着笑容，但通过这些形象画家所要呈现和表达的无疑是当代人困厄、窘迫和无奈的生命状态和精神体验。

　　祁百成是姚永的学生中最另类的艺术家，他的绘画属于典型的观念绘画风格。祁百成将手作为他绘画的母题，不同姿势形态的手，各种颜色的手，构成了他的作品。他的“十字架系列”和“我们系列”全都是由手组成，这些手形成了十字架、假山石和各种景物。他的绘画是手的丛林和手的团块，手与手之间、各个团块之间往往还有绳子的缠绕。这些带有表情的手传达了画家内心的紧张、纠结和焦虑，揭示了当下人类痛苦的情感世界，给人以强烈的印象。

　　程治国是一个多面手，人物、风景和静物皆有佳作。他的人物画造型结实，接近于写实风格;姿态来自摆拍，但注重人物心理刻画。风景画既有构图宏阔的远景，又有局部特写式的近景，但都充满着人间生活气息。程治国的静物画极具特色，他喜欢采用凸字形画面，将书籍、画具、植物、水果、瓷瓶和其他各种物品布置成一个戏剧化的场面，营造出一个舞台化的景观，他甚至将这些静物安置在浩瀚大海的背景中，呈现出超现实主义的意境。事实上，程治国的静物画具有观念绘画的特征，他将客观对象引入到一个非现实的主观化世界，带给观众异样的感受。

　　陈向东醉心于历史主题的描绘，并致力于油画语言与写意性的结合。他的人文风景作品讲述的是民国年代的故事，带给我们的是黑白电影乃至默片的视觉和心理感受。他的绘画多选取俯瞰的视角和宏阔的场面，仿佛电影中的全景画面，城市街道、港湾船舶、河流桥梁和汽车人群组成一个流动的舞台式的空间，呈现了一幅既平常又庄严的人间生活景象。陈向东强调画面的大势，而不拘泥于细节的刻画，色调灰暗，细节模糊，画中所有的物体形象都呈现出飘忽不定的状态，仿佛来自梦幻的世界。他的作品带给我们怀旧的感伤和肃穆的诗意。

　　荣云认为“怎样画”比“画什么”更重要，他将语言的重要性置于题材之上，在艺术本体的探索上取得了突出的成果。他喜欢描绘日常家居生活场景，大多数没有人，但有人的痕迹，他所要表达的是日常生活表象背后隐藏的无常的真实。他压缩景深，将三维空间平面化，强调色块的对比和正负空间的关系，作品具有强烈的形式构成意味。事实上，荣云的绘画兼具精神性和形式感，显示了鲜明的当代绘画品格。

　　龙义敏是一个性格开朗、内心阳光的人，他喜欢描绘无人的自然风景，更准确地说，他给我们呈现的是人们劳作和生活的大地，那里有田野和道路，有山丘和河流，有草木和庄稼，虽然没有人像，但有浓郁的生活气息。他往往采用半俯视角度，并且着力于细节的刻画，因此他的风景画显得辽阔而宁静，充分展示了大地的生机和人间的温情。

　　教学相长，姚永与他的学生曾经一道走过探索之路;艺无止境，姚永和他的学生还将一起追寻更加辉煌的未来。